bigger, longer, harder

Jusqu’où ira donc Phil Mulloy ? L’Anglais fou nous propulse avec Goodbye Mister Christie dans un conte moderne et adulte, où la fantaisie la plus absurde cotoîe les questionnements les plus graves. Désintégration d’une brave famille anglaise, prêtre violeur et fin du monde, rien ne nous sera épargné. Et tant mieux.

Phil Mulloy pratique le cinéma d’animation comme un sport de combat. Au spectateur d’apporter ses propres émotions au film, le cinéaste se donne plutôt pour mission de retrancher tout oripeau de sentimentalité. Personnages façon pochoirs charbonneux, ayant au maximum deux expressions faciales, voix générées par ordinateurs, décors ultra minimaux puisque le film ne se compose que de gros plans : le dessin animé est ici réduit à son plus simple appareil. Un théâtre de marionnettes sales bêtes et méchantes, où Beckett rencontre Cocteau et où Dieu, prenant la forme d’une araignée, se voit tout simplement écrasé. Mais pourquoi tant de haine ? Et bien sous ses aspects de farce cynique, Goodbye Mister Christie nous offre une radiographie d’une précision terrifiante sur le monde dans lequel nous vivons. L’humour en prime.

Si l’épure radicale du film se fonde plutôt sur la laideur que sur un quelconque idéal, c’est bien qu’ici, il n’y en a plus aucun. Dieu est donc mort, et Mister Christie est ce qu’on pourrait nommer un « gros beauf », figure d’homme renfermé et vulgaire, totalement hermétique aux problèmes des autres, sa femme et son fils Terry inclus. Mrs Christie serait, elle, le modèle de l’épouse en retrait, tâchant de rendre tout le monde heureux en refusant la confrontation. Lorsqu’elle tombe sur le marin français nommé Ramon, qui lui passe une musique romantique, elle succombe, et part se confesser auprès du père Bunloaf (dont le nom pourrait se rapprocher de « petit pain », détail utile à ceux qui verront le film). Celui-ci réprime alors sa jalousie, puisqu’il est secrètement amoureux de Mrs Christie depuis toujours. Comme un jeu de domino renversé par le mystérieux Ramon, tout l’univers des Christies chavire rapidement. Comme dans Théorème de Pasolini, Ramon va ensuite séduire M. Christie, qui ne comprend décidément rien à ce qui lui arrive, puis le fils. Mais dérangé en plein acte par une équipe TV en plein reportage, M. Christie sombre dans la démence et commence à creuser un trou dans son jardin, qui le mènera du métro de Tokyo aux enfers, où il rencontrera des personnalités comme Hitler, Jules César ou Dracula. Et l’on ne dira pas tout le reste…

L’aspect visuel minimal du film est compensé par un scénario totalement délirant, qui se permet toutes les fantaisies spatio-temporelles, et par un grand art du dialogue. Le rythme du film, très rapide, est ainsi donné par les échanges successifs des personnages, toujours par deux, d’abord ancrés dans le quotidien plus trivial, pour progressivement aller vers des territoires bien plus inattendus. La folie des personnages se révèle, soulignée par un humour noir et glacé « so British » (M. Christie se plaint de s’être fait traité « d’enculé » par l’amie de son fils, ce à quoi Mrs Christie lui répond « elle ne peut pas vous avoir dit cela sans aucune raison ») et les entraîne à commettre le pire.

Phil Mulloy, en grand ordonnateur de ce chaos maîtrisé, offre une vision crépusculaire de notre humanité décadente, où le manque d’amour et de compréhension semble une plaie béante prête à accueillir les pires infections. Et d’une brave famille anglaise, il fait le point de départ d’un impressionnant voyage au cœur de l’Homme, dans toute sa laideur et sa bêtise. Un voyage qui n’est qu’un début, puisque ce film est la première partie d’une trilogie. On attend la suite avec impatiente.

Article publié aussi ici.

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Le jour du pain :

Tulpan, bande annonce:

En à peine quelques films, Sergey Dvortsevoy s’est imposé comme un cinéaste majeur, encore peu connu du grand public, mais dont tous les films ont fait le bonheur des festivaliers du monde entier. Ses quatre lumineux documentaires et une fiction nous convient sur des chemins de traverse aussi bouleversants qu’incongrus, à la rencontre d’individus hors normes.  Où l’on croise au passage des chats tyranniques, des chèvres romantiques ou encore des aigles d’intérieur.

D’origine kazakhe, Sergey Dvortsevoy s’intéresse dès son premier court métrage, Paradis, aux paysages désertiques et majestueux des steppes et aux nomades qui les traversent. Passionné par les figures solitaires et isolées, il dresse à travers ses films un ensemble de portraits fascinants, autant pour leurs sujets que pour le regard qu’il porte sur eux. Le vieux Russe aveugle qui vit seul avec son chat, la famille de forains kazakhs, le jeune berger de Tulpan… Chacun à sa manière, les personnages filmés par Dvortsevoy sont confrontés à des conditions de vie extrêmes. Pour en rendre  compte avec empathie, mais sans verser dans le pathétique, le cinéaste choisit l’immersion, et passe des semaines en leur compagnie, avec une équipe réduite. D’égal à égal. La caméra à hauteur d’homme. Avec Dans le noir, il peut se retrouver dans le champ, pour aider le vieil homme aveugle à ramasser du papier. Parfois, on entend sa voix. Présent et en retrait à la fois, Dvortsevoy se pose ouvertement la question de la place du cinéaste, et, en écho, de celle du spectateur. Comme il refuse d’être un voyeur, il devient partie prenante de la scène s’il le faut. Lors du plan  séquence qui ouvre Le Jour du pain, où quelques vieux Russes poussent pendant de longues minutes un wagon (en réalité pendant des heures), le cinéaste avoue avoir dû lutter pour  continuer à filmer, alors qu’il n’avait qu’une envie : lâcher sa caméra et aider à pousser. Même si ces rares cas d’intrusion du cinéaste dans le cadre ne se sont pas renouvelés, on ressent à chaque plan un véritable élan humaniste, porté par une solide éthique du regard.

Accepté dans le quotidien de ses « personnages » puis quasiment oublié d’eux, Dvortsevoy filme donc de longues heures, qui livreront, plus tard, au montage, des trésors. Une sorte de  magie semble opérer à chaque fois. Cettemagie ne peut advenir que de ce qui échappe au cinéaste, ce qu’il ne saurait maîtriser. À savoir: les animaux. Dans le noir en est le plus bel  exemple. Un vieux Russe aveugle vit avec son chat. Il fabrique des filets à provisions pour les offrir ensuite aux passants. Totalement excité par les bobines de fil que manipule  maladroitement le vieil homme, le chat lui rend la vie impossible, et semble presque s’amuser à accumuler tous les sales coups possibles, envoyant quelques regards caméra des plus  équivoques. Soudain, le documentaire se transforme sous nos yeux en une fable où le chat blanc comme neige (évidemment!)  devient un diablotin tyrannique pour l’homme qui vit dans le noir. Tout en faisant partager la détresse de cet homme, Dvortsevoy ne peut empêcher la fantaisie pure d’envahir le cadre, et le burlesque de prendre possession, même brièvement, du récit. Soudain, nous voilà propulsés dans une fable de La Fontaine réinventée – la morale en moins.

Ce qui impressionne le plus, c’est la permanence de cette étrange et délirante incursion de l’animal, sa prise de possession du film. Dans Le Jour du pain, c’est une chèvre qui vient se balader dans l’unique magasin du petit village russe perdu au fin fond de nulle  part. On la retrouve ensuite en train de se tortiller devant une petite fenêtre, jusqu’à ce qu’un bouc en sorte la tête, et qu’ils se donnent de vigoureux coups de langues. Roméo et  Juliette perdus au milieu d’un  village de vieillards qui ne cessent de se disputer entre eux. Dans Highway, c’est un aigle blessé et ne pouvant plus voler que les enfants de la famille  foraine vont capturer. Devenu un animal quasi-domestique (il mange dans la gamelle avec les chiens), c’est lui qui veillera la nuit alors que toute la famille dort. Sans jamais jouer la  carte d’un anthropomorphisme idiot  qui ferait des animaux des Hommes comme les autres, Dvortsevoy invente un territoire cinématographique où les images multiplient leurs niveaux de lecture, où le réel se charge soudain de bien d’autres possibles que le simple « ici et maintenant ». Dans ses films, le symbole et la métaphore s’invitent sans prévenir, et investissent le présent d’une intensité nouvelle, d’une folle énergie. Hommes et animaux y sont les acteurs d’un théâtre qui dépasse même le cinéaste, et nous offrent des instants  inouïs de grâce.

La fantaisie animalière, qui est un peu en passe de devenir la marque de fabrique de Dvortsevoy, vient souligner la richesse de son regard sur le monde qui l’entoure. Un  regard ouvert au hasard, à l’inconnu, qui replace l’homme dans un contexte, le corps dans son décor. Il observe alors la tension entre les deux. De la nature ou bien de l’Homme, lequel  s’amuse le plus de l’autre ? Il se dégage de son oeuvre encore jeune le sentiment très fort qu’une harmonie est encore possible, ou mieux, qu’elle existe. Les petits miracles qu’il  collecte film après film ne sont que des indices d’un véritable paradis perdu – rappelant le titre plein de promesse de son tout premier film, Paradis. Et les nomades du bout du monde ne  ont peut-être  pas à plaindre autant qu’on le croit. DansTulpan, film de fiction, il met en scène des acteurs dans le rôle d’une famille de nomades kazakhs. Tour de force du film, l’acteur principal doit aider une brebis à mettre bas lors d’un long plan séquence. Dans cette scène miraculeuse, le documentaire et la fiction ne font plus qu’un, à travers ce geste  violent et si puissant de donner la vie. Dvortsevoy semble toucher là au coeur de son sujet. À l’origine même de son cinéma.

Parce qu’il est à la fois un poète et un philosophe, Sergey Dvortsevoy part à la recherche de l’harmonie au milieu du chaos. Et parce qu’il croit encore en l’Homme, il la trouve. En ces temps de cynisme généralisé, un aussi simple postulat devient soudain bouleversant. Il semble vouloir nous suggérer que même dans les situations les plus dures, si l’on observe bien, on pourra toujours trouver matière à s’émerveiller. Le cinéaste s’évertue, de film en film, à maintenir cette croyance sans faille et pleine d’espoir dans le réel. Et continue à parcourir le monde à la rencontre de toutes ces forces de la nature  qui nous réservent tant de surprises.

Texte déjà publié ici.

Brûlante Innocence

Reprise majeure, La Cicatrice intérieure est un poème enfiévré d’amour pour le cinéma, une femme, les enfants, en somme la vie. En pleine période psychédélique, Philippe Garrel se livre à un voyage/trip aux confins du monde, du temps et de l’Histoire, porté par la musique habitée de sa compagne et actrice Nico. Une expérience intense et sauvage comme l’innocence.

Retour aux origines
Œuvre inclassable et hors normes, La Cicatrice intérieure est un film typique des années 70, tout comme il aurait pu être tourné hier. Expérimental, Zanzibar, moderne, post-Nouvelle Vague, existentialiste, il échappe à toutes les catégories pour s’inscrire comme un acte de cinéma tellement personnel qu’aucune filiation n’a pu lui être trouvé avant… Gerry de Gus Van Sant ou bien peut-être Brown Bunny de Vincent Gallo. Non narratif, le film se compose de plans séquences tournés dans un désert de sel, décors majestueux où le cinéaste, Nico, Pierre Clémenti et le petit Ari semblent être de passage. La Cicatrice intérieure est un film en tableaux de mystère, une œuvre poétique comme le cinéma en connaîtra peu. Si plusieurs films du groupe Zanzibar vont être tournés à la même période, tel les courts métrages de Daniel Pommereulle, et si le désert reste un lieu qui imprime particulièrement bien la pellicule, La Cicatrice intérieure demeure, par la force de ses visions, une expérience incomparable.En prélude, Garrel se filme avec sa compagne Nico, couple solitaire, isolé dans la blancheur éclatante du désert. Immobile et en pleurs, elle se fait littéralement traîner par un Garrel mutique mais clairement fatigué. Le deuxième plan séquence, mythique, montre Nico assise et hurlant de sa voix unique, grave et enfantine à la fois(“Philiiiiiiiippe, I can’t stand it !”), alors que Garrel entame un tour à 360° qui nous laisse découvrir l’immensité du paysage qui les entoure. Au bout du deuxième tour, Nico se lève et le quitte, hurlant qu’elle peut vivre sans lui. A partir de cette rupture, le film va se composer de plans séquence somptueux, où toujours un personnage est en marche vers on ne sait quelle destination. La Cicatrice intérieure est ainsi faite, d’apparitions et de visions inoubliables : Nico à cheval et son fils traversant des brasiers à la tombée de la nuit, Nico allongée dans un désert qui pourrait l’avaler, l’enfant couché au bord du lac, et ces paysages bruts et sauvages deviennent comme un berceau (de cristal) pour eux. Pierre Clémenti apparaît, nu et sublime, irradiant chaque plan de sa présence apollinienne. Un symbolisme fort travaille ces apparitions où les quatre éléments prédominent : le feu du volcan que Clémenti apporte à l’enfant, l’eau des chutes, le vent qui les fouette, la terre noire où se promène Nico habillée comme au Moyen-Age. Tentative de retour aux origines, à un temps ancestral et sacré pour l’humanité, le film invente sous nos yeux sa propre temporalité.Les Hautes solitudes
Profondément, enfance de l’humanité et enfance du cinéma ne font qu’un pour Garrel. Pas de scénario, pas d’éclairage, pas de dialogue, juste une caméra, du film récupéré, des idées et des acteurs : la pauvreté des moyens n’entame en rien la richesse des visions du cinéaste, un des plus grand maître du cadre et de la lumière. Car Garrel n’est jamais seul lorsqu’il filme, il ramène à lui la beauté de la peinture classique, le sens de la lumière des plus grands photographes, l’inventivité formelle des modernes. Alors, si l’on peut évoquer le psychédélisme et les drogues pour comprendre l’inquiétante étrangeté de cette Cicatrice…, on reste bien loin de ce qui fait sa force tellurique, qui n’a rien d’un délire incantatoire. Pour s’en rapprocher, il faut nécessairement évoquer la musique composée et chantée par Nico (que l’on retrouve dans l’album Desertshore), qui fait bien plus qu’accompagner les images, qui leur confère une autre dimension, déchirante. Marqué au fer rouge de ce chant des profondeurs de l’âme, le paysage qu’explore le cinéaste est tout autant sensible que géographique. Si l’on retrouve à la même époque cette idée de topographie de l’âme à travers des visions désertiques chez quelqu’un comme Monte Hellman, Garrel, lui, dépouille ici son film de tout le superflu pour s’approcher d’une essence, d’un noyau dur qu’on ne peut trouver que dans Les Hautes solitudes de l’âme. En cela, Nico et Garrel font route commune, et la musique de l’Allemande devient, à partir de cetteCicatrice intérieure, un élément à part entière des films de Garrel, leur mémoire affective, leur cicatrice de toujours.

Plus généralement, le besoin de solitude, de silence et d’isolement qui caractérise des films de Garrel à cette période (Le Révélateur, le Lit de la Vierge) ne peut être étranger au souffle qui suivit la déflagration Mai 68. Alors que la déception a triomphé des aspirations révolutionnaires, il reste l’amour, Nico, les drogues et le souvenir. Ce séjour dans le désert sonne comme une retraite nécessaire après le tumulte et les mouvements de foule. Mais l’envie de changer les choses est encore là, et Garrel s’y emploie à sa manière, le cinéma. Pierre Clémenti évoquera le tournage de laCicatrice… en ces termes : « Nous avions voulu montrer comment la solitude qui, par l’ascétisme et le mysticisme, tend vers la mort comme libération, peut aussi ouvrir sur le salut : la fraternité des esprits créateurs, l’unité dans l’action, le progrès. Que l’homme initié, qui a réussi à se libérer lui-même par la solitude et par les rites, peut retrouver le sens de la vie… »* Après les affolements politiques, on comprend ainsi mieux le besoin d’un retour aux forces primitives de la terre, et à une mystique nietzschéenne, personnelle et créatrice. Si quelque chose est définitivement perdu, il reste pourtant une force inaltérable, qui pousse les personnages à avancer perpétuellement. On marche autant que l’on pense dans les films de Garrel, où bien on pense parce que l’on marche. Face à l’angoisse, le mouvement. Face à la vie, le cinéma. Le mouvement inaltérable du cinéma, comme possibilité de croire encore à la vie.

A la hauteur.

Thanks Butdoesitfloat !

son site pour le prouver, et quelques vidéos magnifiques :

et cette performance métronomique de Dominique A :

l’envie de se replonger encore une fois dans les mélodies imparables et les mots délicats de Jacno :

Thanks Stéphane !

Thanks But does it float !

The other day, I was lucky enough to be at an event to bring the arts back into schools and got to see an amazing collaboration between Yo-Yo Ma and a young dancer in LA, Lil Buck. Someone who knows Yo-Yo Ma had seen Lil Buck on YouTube and put them together. The dancing is Lil Buck’s own creation and unlike anything I’ve seen. Hope you enjoy. –Spike Jonze

Arielle

Ingrid

Candy

Hanna

Debbie

Edie

Tina

Quelques perles :

“Un couteau trouvé chez les Storme”

“Rouen : ils mangent un kebab et partent en courant”

“Accident mortel : plus de peur que de mal”

“le surfeur disparu retrouvé sain et sauf près d’un ruisseau”

Au fait, le nom du blog provient bien sur d’une de ces recherches…

Lire l’article ici.

Le site : http://devenirunninjagratuitement.tumblr.com/

petit florilège :

croire au potentiel de chaque enfant

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